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NotaPublicado: 30 Jul 2016 16:46 
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Este hilo no va de la historia del instrumento, porque ya todos nos la sabemos o podemos localizarla fácilmente.
Tampoco va de grandes pianistas, aunque obviamente aparecerán alusiones a muchos de ell@s.
Tampoco tengo intención meterme en camisa de 11 varas con la evolución del lenguaje instrumental, ni del repertorio, ni de los avances técnicos a lo largo del tiempo.
Ni siquiera pretendo hacer una recopilación de métodos pedagógicos, y tranquilos... tampoco se me va a ir la olla con ideas raras.

El hilo está dedicado a todos los que durante un rato al día (ya sea mucho o poco) nos sentamos delante del teclado para intentar mejorar esas piezas que soñamos con poder tocar algún día dignamente ante público físico o youtuber, o incluso solo para disfrutar nosotros solos.
La idea es hablar de cómo estudiar de forma eficaz y placentera, de cómo desarrollar buenos hábitos y no frustrarnos por estar autoexigiéndonos cosas imposibles.
Voy a empezar con lo más básico que son el/la pianista, el instrumento, el asiento, el repertorio y el profe.

0. El pianista: el grado de rendimiento y éxito es directamente proporcional a la "pasión" que sientes por el instrumento (como en cualquier actividad), así que cuida eso que es tu mayor tesoro y aliado, no permitiendo que nadie te desanime, exigiéndote a ti mismo cosas justas y realistas, intentando pasar solo tiempo de calidad en la actividad y aceptar que uno es humano y también tiene malos momentos. La pasión también se puede encender (con la práctica adecuada), apagar, mantener, dejar morir...

1. El instrumento: no es lo mismo disponer de un colín que tener que tocar siempre en un piano digital. El piano digital como herramienta de iniciación absoluta cuando no hay más remedio, pongámosle un tope de los 2-3 primeros años, y como complemento para leer notas horas intempestivas (que en un nivel más avanzado puede hacerse perfectamente solo con la partitura, sin instrumento), sí puede ser aceptable. Sin embargo, uno no puede construirse una técnica pianística en un entorno virtual "previamente muestreado" por mucho que el muestreo lo haya hecho Yamaha o Kawai, hacen falta martillos y cuerdas reales, porque el piano va de algo más que dar "la nota justa".

2. La banqueta es un elemento muy importante, tiene que permitirnos estar a la altura adecuada para no lesionarnos.
Para la postura: lo primero es poner un buen espejo en un lateral.
a) El antebrazo y el codo tienen que ser una extensión en línea recta de la superfície del teclado, con los hombros relajados (hacia abajo),
b) Hay que sentarse en la mitad delantera de la banqueta, con las piernas abiertas y la espalda recta. Los pies sobre el suelo hacia delante: el pie derecho sobre el pedal de sonoridad y el izquierdo al lado del "una corda".
c) La postura en conjunto tiene que permitirnos echarnos ligeramente hacia delante al abrir en extensión de teclado, y echarnos hacia atrás al cerrar, y sobre todo, darnos libertad para hacer todo tipo de movimientos que nos ayudarán en el fraseo y a liberar posibles tensiones.
d) El conjunto mano-muñeca-antebrazo-codo-hombro tiene que estar totalmente relajado y tocaremos ejerciendo una presión mínima (que proviene del peso del cuerpo entero, para eso necesitamos sentarnos al borde de la banqueta) pero suficiente para mover la tecla, sobre la falange del dedo en contacto con la tecla, e inmediatamente liberaremos de nuevo para desgastar el mínimo.

Lo ideal es una banqueta rectangular regulable con un grosor del asiento de mínimo 8 cm. El relleno tiene que ser cómodo pero no demasiado blando, las costuras estilo Chesterfield suelen ir muy bien.

3. El repertorio que elijamos tiene que ser solo ligeramente más difícil que el repertorio del nivel que ya poseemos. Lo que vamos a estudiar tiene que representarnos un reto que podemos salvar con lo que ya sabemos (pongamos un 75%) y el estudio adecuado (un 25% de recursos nuevos). Si nos creemos que porque podemos tocar un tiempo de sonata de Beethoven o un estudio de Chopin o Liszt más o menos correctamente, ya podemos abordar el 3ª concierto de Rachmaninov, nos vamos a estrellar, pero no solo eso, algo que es mucho peor: la chapuza que haremos con esa obra va a quedar enquistada para siempre en NUESTRA MEMORIA y eso es casi imposible de arreglar (bueno, quizá con 30 o 40 años de inactividad). Así que si no quieres destruir tu futura relación con esa obra para siempre, esconde en un lugar recóndito esas obras con las que sueñas, pero que aún están muy por encima de tu nivel.

4. El profe es indispensable y obligatorio durante los 7-8 primeros años de estudio, y MUY recomendable después también, sobre todo si pretendemos llegar a un nivel muy muy avanzado. Durante los primeros años, los distintos métodos modernos para niños y jóvenes, combinados con varias obritas de compositores de diferentes épocas en orden de dificultad creciente son lo ideal. Esto es un trabajo que debe hacer el profesor, que debe ser multi recursos, y no basarse en un solo método. Su actitud debe ser siempre positiva sobre nuestro trabajo (no juzgarnos destructivamente, ni compararnos) y tiene que creer en nosotros, es decir, tiene que estar motivado para hacernos avanzar. Si un profesor nos hace sentir repetidamente humillados o que no valemos, o que pierde su tiempo con nosotros y solo valemos por los honorarios, significa que tenemos que buscar a otro. Sin embargo, tampoco hay que esperar establecer una relación psicológico-emocional con el profesor, que vaya a curar todos nuestros traumas pasados: estamos ahí básicamente para sacar provecho de lo que sabe, no para trabar una profunda amistad.
Personalmente, no recomiendo buscar un profesor a menos que uno esté comprometido con el estudio de forma constante como para poder traer avances de forma semanal o bisemanal, y tenga objetivos realistas concretos, porque sino ambos al final se van a terminar aburriendo. Si ya tenemos cierto nivel y solo queremos disfrutar del piano a nuestro ritmo, cuando tenemos tiempo, creo que es mejor seguir a nivel autodidacta, en el que también es posible mejorar poco a poco, si se hace con cabeza.

Y ahí (tachín) entro yo (modestia aparte) con mi recién creado hilo... y espero vuestras ideas también.

(Por cierto, aunque abra varios hilos de distintos temas, no voy a descuidar ninguno, pero aún no estoy de vacaciones y a lo mejor tardo un poco en responder)


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NotaPublicado: 31 Jul 2016 10:04 
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Sin negar la pertinente sabiduría de todas esas observaciones y consejos, no he podido evitar recordar la "ortodoxia" del ídolo canadiense en relación a unas cuantas:

phpBB [video]


Citar:
La banqueta es un elemento muy importante, tiene que permitirnos estar a la altura adecuada para no lesionarnos.
Para la postura: lo primero es poner un buen espejo en un lateral.
a) El antebrazo y el codo tienen que ser una extensión en línea recta de la superfície del teclado, con los hombros relajados (hacia abajo),
b) Hay que sentarse en la mitad delantera de la banqueta, con las piernas abiertas y la espalda recta. Los pies sobre el suelo hacia delante: el pie derecho sobre el pedal de sonoridad y el izquierdo al lado del "una corda".
c) La postura en conjunto tiene que permitirnos echarnos ligeramente hacia delante al abrir en extensión de teclado, y echarnos hacia atrás al cerrar, y sobre todo, darnos libertad para hacer todo tipo de movimientos que nos ayudarán en el fraseo y a liberar posibles tensiones.


Citar:
Lo ideal es una banqueta rectangular regulable con un grosor del asiento de mínimo 8 cm. El relleno tiene que ser cómodo pero no demasiado blando, las costuras estilo Chesterfield suelen ir muy bien.


La imagen y el sonido se desincronizan por momentos en ese youtube, pero creo que eso no es nada comparado con la desincronía de Gould respecto a ortodoxia de posturas... y banquetas:

ImagenImagen
...creo que es la única "banqueta" que ha acabado en la vitrina de un museo. :-x

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NotaPublicado: 31 Jul 2016 10:49 
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Jajaja, sí las posturas de Gould son míticas, pero también hay que tener en cuenta qué tocaba: 90% del tiempo JS Bach, música predominantemente polifónica, música clavecinística que requiere poca apertura de mano, ni acordes y octavas paralelas, ni grandes cambios de dinámica, o tempos y ritmos extremos. También está gracioso el vibrato que añade, que es puramente psicológico.
Cuando toca algo más propio del piano, como Beethoven, su postura se vuelve ligeramente más "ortodoxa", aunque siguiendo fiel a su silla... ¿me pregunto si perteneció a algún Bach o algo? (Por cierto, creo que también se llevaba de gira a su Steinway)

phpBB [video]


También hay que añadir que desgraciadamente el señor Gould murió prematuramente a los 50 años, edad a la que el cuerpo aún es relativamente joven, no sabemos a los problemas de artrosis que se hubiera enfrentado si hubiera llegado a la edad de Barenboim, por ejemplo.


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NotaPublicado: 31 Jul 2016 11:30 
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¿me pregunto si perteneció a algún Bach o algo?


Creo que se la diseñó su padre cuando era niño. Pero la silla no creció, y además envejeció más rápido que su dueño. Vista de cerca y a color prece más recomendable:

Imagen

Curiosa esa versión de Beethoven, por cierto. Sustituye la tradicional tensión romático-expresiva-subjetiva por una como más contemplativa y fatalista. :shock: No estoy seguro de si Beethoven le hubiese puesto más reparos que a otro tipo de versiones consagradas por la tradición, ya que solía encolerizarse si sus oyentes sacaban pañuelos para enjuagarse las lágrimas como respuesta a sus versiones e improvisaciones.

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NotaPublicado: 31 Jul 2016 16:17 
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Early in his life Gould had suffered a spine injury; his physicians prescribed, usually independently, an assortment of analgesics, anxiolytics, and other drugs. Bazzana has speculated that Gould's increasing use of a variety of prescription medicines over his career may have had a deleterious effect on his health.
On September 27, 1982, just two days after his 50th birthday, after experiencing a severe headache, Gould suffered a stroke that paralyzed the left side of his body. He was admitted to Toronto General Hospital and his condition rapidly deteriorated. By October 4, there was evidence of brain damage, and Gould's father decided that his son should be taken off life support.

Fuente: Wiki.

RECTIFICO:

No fue una enfermedad, sino un accidente lo que sufrió de pequeño: lo que no está claro es si la silla baja era para facilitar su particular técnica pianística o debido a los daños que sufrió en la columna.

Around the same time, he injured his back as a result of a fall from a boat ramp on the shore of Lake Simcoe.[fn 5] This incident is almost certainly related to the adjustable-height chair his father made shortly thereafter. Gould's mother would urge the young Gould to sit up straight at the keyboard.[17] He used this chair for the rest of his life and took it with him almost everywhere.[4] The famous chair was designed so that Gould could sit very low at the keyboard. The chair allowed him to pull down on the keys rather than striking them from above, a central technical idea of his teacher at the Conservatory, Alberto Guerrero.[18]


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NotaPublicado: 31 Jul 2016 18:53 
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Informándome un poco mejor, en este vídeo, Ruth Watson Henderson, también alumna de Alberto Guerrero en el Conservatorio de Toronto y compañera de estudios de Gould, explica en qué consistía la peculiar técnica.

phpBB [video]


Traducción rápida:
La técnica pianística de Gould creada por su maestro chileno Alberto Guerrero consistía en "martillear la tecla" para ganar en independencia de los dedos:
Los dedos no se levantan nunca, por lo tanto, mediante ligeros toques, obtienes la sensación de presión en la punta del dedo, y el dedo simplemente rebota por sí mismo. Todos aprendimos esta técnica de "dedos independientes" de Guerrero, pero Glenn tenía una técnica tan maravillosa que simplemente era capaz de aplicarla a todo lo que tocaba.

There's no lifting of the fingers, so by tapping you get the feeling of the pressure at the tip of the finger, but the finger just bounces back by itself.
We all learnt this detached finger technique from Guerrero, but Glenn had such a marvelous technique that he was able to bring it off no matter what he played.


Informándome también sobre Alberto Guerrero, mis sospechas se confirman: fue uno de los pioneros en la recuperación de la música barroca y eso influyó en su técnica "pianística-clavecinística".

He founded and conducted Santiago’s first symphony orchestra and was active in founding the Sociedad Bach in 1917.
In 1918, during a honeymoon trip to New York, Guerrero came in contact with members of the Hambourg family, who invited him to teach at the recently established Hambourg Conservatory in Toronto. Guerrero accepted this position and emigrated to Canada with his wife and daughter the following year.
In Toronto, Guerrero performed for a few years with the Hambourg Trio (having replaced pianist Mark Hambourg). While he shifted his focus to piano technique and pedagogy, he expanded his performing repertory to include works from Purcell through Les Six. As one of Canada’s most active pianists, he played regular radio recitals (a highly innovative move at the time) beginning in the mid-1920s and through to the early 1950s. He also initiated a subscription series of solo recitals from 1932-1937. Each season’s four or five recitals would cover often neglected works by Bach, Scarlatti, Haydn, Mozart, 18th-century Spanish composers, 20th-century French composers, and Stravinsky. Bach pieces included the complete inventions and sinfonias as well as the Goldberg Variations, all of which would be later popularized by his pupil Glenn Gould.


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NotaPublicado: 31 Jul 2016 22:36 
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Traducción rápida:
La técnica pianística de Gould creada por su maestro chileno Alberto Guerrero consistía en "martillear la tecla" para ganar en independencia de los dedos:
Los dedos no se levantan nunca, por lo tanto, mediante ligeros toques, obtienes la sensación de presión en la punta del dedo, y el dedo simplemente rebota por sí mismo. Todos aprendimos esta técnica de "dedos independientes" de Guerrero, pero Glenn tenía una técnica tan maravillosa que simplemente era capaz de aplicarla a todo lo que tocaba.


No se si esto guarda alguna lejana relación con la forma en que tocaba el propio J.S.Bach, si hemos de creer el testimonio de Forkel, su primer biógrafo. No se si conoces el texto, copio algunos trozos:

Bach colocaba la mano sobre las teclas de la siguiente manera: los cinco dedos estaban recurvados de tal modo que su extremidad caía perpendicularmente sobre el teclado, por encima deel cual formaban una línea parlela. De esta manera, ningún dedo tenía necesidad de acercarse desigualmente a la tecla que debïa bajar. Esta posición los ponía además en condiciones de obedecer inmediatamente a lo que se les mandaba. Indicaré en detalle las consecuencias de esta posición en la mano:
1º Los dedos no pueden caer ni ser arrojados sobre las teclas respectivas, según ocurre frecuentemente. Al contrario, están posados sobre la nota, con plena conciencia del poder interno que tienen que desarrollar. Además, se encuentran en una posibilidad absoluta de mando sobre el movimiento.
2º El impulso o cntidad de presión comunicada a la tecla debe mantenrse con igualdad. Para ello, el dedo no debe levantarse perpendicularmente de la tecla, sino m´s bien deslizarse suavemente a lo largo de esta tecla, replegándose gradualmente hacia la palma de la mano.
3º En esta transición de una tecla a otra, el resbalamiento sirve para comunicar con la mayor rapidez al dedo vecino la cantidad exacta de presión empleada por el dedo precedente, de tal manera que los dos sonidos ni estarán destacados ni soldados uno a otro. La pulsación no será, entonces, ni empastada ni demasiado breve
(...)
Parece ser quue Bach tocaba conun movimiento de los dedos tan fácil y tan poco acentuado, que apenas era perceptible. Sólo movía las primeras falanges de los dedos, su mano conservaba la forma redondeada incluso en los pasajes más difíciles, los dedos se elevaban muy poco por encima de las teclas.


En lo que respecta a no levantar los dedos y obtener resultados con una pulsación mínima, yo diría que algo sí se parece. Ahora bien, si la traducción al castellano de Forkel es correcta y si hemos de creerle literalmente, J.S. tocaría algo así como arañando las teclas, cosa que siempre me ha resultado bastante increíble, incluso pensando en teclados más sensibles como podían ser los de un clave de la época, y más todavía si tenemos en cuenta que se piensa en el pulgar como un dedo más en este proceder. En cualquier caso, sólo consigo imaginar algo así en manos pequeñas con dedos cortos, que desde luego no fue el caso de Gould.

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NotaPublicado: 01 Ago 2016 00:21 
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Bueno, yo también pensaba sacar a Gould a relucir en lo tocante al segundo punto, pero Mónado se me ha adelantado.

Estoy bastante de acuerdo en general con los cuatro puntos expuestos, creo que son bastante sabios consejos, quizá el más discutible sería este segundo. Es un tema delicado, pues un maestro demasiado rígido que se tome como modelo a sí mismo puede incluso llegar a impedir que un alumno encuentre su verdadera adaptación personal al instrumento; de entrada, las anatomías son todas diferentes, uno tiene los brazos más largos, otro más cortos. En el caso de una guitarra es todavía más peliagudo. Posturas totalmente ortodoxas debe haber pocas.

phpBB [video]



Interesantísimo lo concerniente a Gould y a Bach. No conocía esa descripción de Forkel. Me hace cierta gracia porque veo que no he ido demasiado desencaminado. Lo de "arañar" el teclado, si que se presenta (lo pide) espontáneamente en alguna obra de Bach, estoy pensando en el primer movimiento de la suite francesa nº 4, es imposible no hacerlo en algún momento y que salga bien. Me costó cierto tiempo aprenderlo pero es intuitivo.


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NotaPublicado: 01 Ago 2016 21:24 
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Mónado, súper interesante...

Creo que lo que Forkel describe como arañado, rasgado o scratching* en inglés es en general una técnica característica de los instrumentos de cuerda pulsada como la guitarra, el laúd. Pero es posible que JS Bach tuviera una técnica tan perfecta que casi no tuviera que levantar los dedos de las teclas y con el mínimo esfuerzo necesario sacara un sonido al clave parecido al rasgado del laúd.
Sin duda que lo que Guerrero pretendía era imitar la técnica de los clavecinistas más avanzados del tardo-barroco y adaptarla al piano moderno.
Buscando de dónde pudo sacar Alberto Guerrero la idea, he encontrado que al parecer, la técnica se le ocurrió en un circo chino:

Traducción rápida:
La idea de la técnica del golpeteo aparentemente se le ocurrió a su primer maestro, Alberto Guerrero, en un circo chino. En uno de los actos aparecía un niño de 3 años que realizaba una danza increíblemente ágil y intrincada. Guerrero fue tras el escenario y descubrió cómo la llevaba a cabo y su entrenador le demostró como movía las extremidades del niño a las posicones correctas para la danza mientras el niño permanecía pasivo y relajado. Más tarde el chico tenía que reproducir los movimientos por sí solo a la vez que debía recordar la sensación relajada y sin esfuerzo. La adaptación de Guerrero de esta técnica al teclado consistía en colocar la mano de forma relajada sobre el teclado, con la mano colgando libremente, las yemas de los dedos reposando sobre las teclas y los segundos nudillos permanecían la parte más elevada de la mano. La otra mano entonces golpeaba individualmente los dedos en las puntas de estos o en la articulación más baja hasta la superficie de la teecla, permitiendo que la tecla devolviera a los dedos rápidamente a la superficie de la tecla. [cont.]After this, the fingers performed the movements without the help of the other hand but whilst maintaining the same feeling of effortlessness. (This ties in well with what my own teacher, Ernest Empson, told me of Godowski (his teacher)’s methods. Godowski told his pupils that the whole hand should remain relaxed in virtuoso fingerwork “as though it had fainted” and that the fingers were moved by tiny sparks of energy which allowed the fingers to return to the relaxed state instantly. When you listen to recordings of Godowski’s lightning leggiero finger work (as in Liszt’s “La Leggierezza” for example) this description makes good sense.)

Fuente: http://www.musicandhealth.co.uk/articles/tapping.html

Godowski explicaba a sus alumnos que la mano debía permanecer relajada durante la ejecución de pasajes virtuosísticos "igual que si se hubiera desmayado" y que los dedos se movían solo por medio de minúsculas chispas de energía que permitían devolver la mano a su estado de relajación inmediatamente.
Por lo tanto, quizá lo que se le ocurrió a Guerrero en realidad Godowski ya lo enseñaba en el Conservatorio de Nueva York en los 1890, época en la que trabajó ahí.
En un tratado moderno que he encontrado casualmente a través de Google "The Craft of Piano Playing: A New Approach To Piano Technique" de Alan Fraser, se habla del Cat-scratching pianístico de la siguiente forma:

Imagen

Trad:
Realiza el "arañado" de gato y siente el peso de los martillos

Paso 3: ¿Aún no lo pillas? Coge el borde de la tecla, el pequeño saliente de plástico blanco o marfil que hay al borde del cuerpo principal de la tecla, entre el pulgar y el índice y hazla oscilar ligeramente. ¿Sientes cómo el martillo salta hacia arriba y hacia abajo en el mecanismo interior de la tecla? ¿Sí? Bien. Así puedes sentir el peso aproximado del martillo. Juega con él. Cuánto más relajado tengas el brazo, con mayor exactitud podrás sentir el martillo, ¿verdad? Cuánto crees que pesa, ¿15 gramos [...]? No es importante que sepas la cantidad exacta, sino que sientas con exactitud. Ahora, lo creas o no, es posible realizar el "arañado" de gato en esas tres notas de acorde y conseguir que esos tres dedos sientan los martillos mientras tocas. Ahora para ti existe cierta precisión de calidad. Ese es exactamente el sonido correcto, la cantidad correcta de sonido, y el sonido no está forzado.


Última edición por Venedig el 03 Ago 2016 09:07, editado 1 vez en total

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NotaPublicado: 01 Ago 2016 22:37 
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Nautilus...
Un montón de ideas.
Primero creo que no hay que confundir postura corporal con las diferentes técnicas que se derivan de tener las manos grandes o pequeñas, o los brazos, y todo lo que uno debe ajustar técnicamente según la configuración corporal.
Hay unas premisas que me parecen básicas y aplicables a todos, como mantenerse erguido con los pies en el suelo, relajado y regular la banqueta de forma que nuestro brazo sufra el mínimo desgaste al hacer octavas y acordes.
Desde luego, uno no puede tomar a Gould de ejemplo de postura: Gould era un genio muy particular que además necesitaba pasar muy poco tiempo físico en el piano (su cerebro era ya un piano, lo dice él mismo).
Quizá tampoco es necesario estar tan erguido con la cabeza tan alta como Benedetti, pero una postura que mantenga el cuerpo erguido es fundamental.

Viendo el vídeo de Benedetti me ha venido a la cabeza un artículo sobre la forma de tocar de Chopin el toque "carezzando", que llegó a Benedetti a través de Paderewski y Leschetitzky, y a estos directamente de Czerny y Chopin y Liszt.
Y madre mía... no sé si lo has puesto sabiendo que en este artículo de la Early Music Magazine de Oxford justamente se habla de Forkel, de la técnica a la que Mónado hace referencia y de que probablemente el carezzando style de Chopin y el arañando de Bach-Forkel sean la misma cosa Imagen:
Imagen

https://www.jstor.org/stable/3519184?se ... b_contents
He marcado el fragmento con una raya roja, (ya he traducido bastante por hoy, jeje). Desgraciadamente no es posible acceder al artículo completo sin pagar, pero hace muchos años lo leí directamente de la revista y por eso sabía que existía.

PD: menos mal que no íbamos a meternos en camisa de 11 varas... esto pretendía ser un simple hilo de pianistas aficionados y estamos intentando atar cabos, que ni los estudiosos de Oxford y Cambridge. :-x

Traducción rápida del fragmento con raya roja:
Chopin también dominaba determinadas técnicas que eran relativamente poco comunes, incluso en su própia época, y que han ido volviéndose cada vez más inusuales, a medida que el pianismo avanzó. Una de estas es el toque "acariciando", en el que el dedo no se levanta directamente de la tecla sino que se desliza en sentido a la palma de la mano, lo que Nikolaus Forkel describió en conexión con la técnica clavicordística de JS Bach y Fréderic Kalkbrenner mencionó en su tratado de piano de 1831. A esta posteriormente se la denominaría estilo "carezzando".


Última edición por Venedig el 03 Ago 2016 08:52, editado 1 vez en total

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